Sanguinic: con brio

By Carmen Kovacs

The sanguine state of mind, the inner attitude and the corresponding physical disposition, is considered cheerful, alert, and lively — qualities that make this temperament the most affirmative and life-embracing of the four. We can easily picture this type: bright eyes, energetic body language, 200 words per minute (which is a lot!). Although the evening’s choreographers were explicitly assigned their respective temperaments to create without any connection to their own personal traits, it is tempting to assume that Demis Volpi must have fallen into the sanguine magic potion as a child — the rehearsals are marked by an energetic, joyfully charged atmosphere.

Finding the right music is not as easy as one might initially think, because this temperament cannot be captured with a merely cheerful or lightweight tone. It needed to be music that does not lose itself in sugary high spirits and take on a life of its own, but instead keeps reigniting itself over and over again — music that embodies the ability to excite without pause. The choice fell on an orchestral piece by the contemporary composer Jörg Widmann (*1973) entitled con brio, meaning something like lively, with vigor. It is a concert overture of around twelve minutes that is very much on fire, constantly inventing something new and bubbling over with ideas and impulses.

Widmann composed the piece in 2008 for the Bavarian Radio Symphony Orchestra as a companion work to Beethoven’s Seventh and Eighth Symphonies. And although he does not directly copy or quote Beethoven in a single bar, the heroic gesture of the symphonies, their dynamic Dionysian energy, repeatedly shines through. For con brio, Widmann chose exactly the same orchestral forces as Beethoven’s symphonies and set himself the task of creating, as he puts it, a similar “fury and rhythmic drive.” Certain musical characteristics or peculiarities of Beethoven’s symphonies suddenly rise to the surface like teasers, as if swept up by a wild vortex, only to dissolve moments later into noise-like sounds. This “ebb and flow principle” repeatedly gives us the brief satisfaction of recognition, that vague feeling of having somehow heard this before. It is hardly surprising that con brio is performed so often — it recalls the beloved music of earlier times while at the same time marking out a new musical age, one that has something to do with the here and now. The composition lives up to its title: it is vividly alive, invigorating, one might almost say, and although it takes its leave with self-ironic, noise-like pizzicati and clicking sounds, it nevertheless ends with the idea of drums and trumpets. One is overcome by the natural urge to applaud.

Demis Volpi has created a choreography for eight dancers that makes this gesture visible. The inventiveness of the music is reflected in the many choreographic themes and ideas that are constantly beginning anew. While newly introduced choreographic material is presented in solos or in short pas de deux sequences, the group catches fire from individual movements, is swept along by them, and intensifies them further. In this way, the patchwork suggested by the music becomes a search for an intricately woven larger whole.

At the same time, there is a basic theme that recurs continuously and subtly shapes the choreographic tone before being pushed to an extreme toward the end. It is the so-called fifth position as taught in academic ballet: both feet are crossed one in front of the other and turned outward, while both arms rise overhead to form an arch without the hands touching. Palms inward, shoulders down — that is the theory. The sanguine pleasure lies in modifying the classical vocabulary, varying it, and playing with it a little — a game that reaches a furious climax toward the end.

The longed-for applause initially does not come from the audience, but from hired claqueurs in the orchestra pit (with a wink, of course), because another piece of music follows: the famous Clapping Music. The American Steve Reich (*1936), one of the most important figures in Minimal Music, composed it in 1972 for two pairs of clapping hands and created a hit. A simple idea, but one that is anything but simple to execute. Two percussionists each play a pattern consisting of 12 eighth notes. While the first performer claps this same pattern throughout the entire piece, the second performer’s pattern shifts by one eighth note “to the right” every eight bars (see page 26). The result is a constantly changing, densely rhythmic and animated sound that comes together again in unison for the final eight bars.

Volpi takes up the concept of shifting in his choreography and creates a motif that moves through the group according to a meticulously designed pattern — a dynamic and sensuous equivalent, so to speak. The uplifting, buoyant quality of the applause sounds is reflected in the opening, “extroverted” arm positions, which refer back to fifth position and, through the high speed of their execution, radiate a festive freshness and energy. It has become a piece that says “yes” — sanguine, in other words.

This text appeared in the program booklet for the ballet evening Four New Temperaments on the occasion of the premiere of the work by Ballett am Rhein on June 3, 2022.
The English version was translated for www.demisvolpi.com with the assistance of AI.

Von Carmen Kovacs

Der sanguinische state of mind, die innere Haltung und die dazugehörige körperliche Verfassung gelten als heiter, aufgeweckt, lebhaft – Eigenschaften, die dieses Temperament zum affirmativsten, lebensbejahendsten der vier Temperamente machen. Wir können uns diesen Typus gut vorstellen: wache Augen, energetische Körpersprache, 200 Wörter pro Minute (das ist viel!). Obwohl die Zuordnung der Choreograph*innen des Abends zu ihrem jeweiligen zu kreierenden Temperament ausdrücklich nichts mit ihren persönlichen Eigenschaften zu tun hat, liegt die Annahme nahe, dass Demis Volpi wohl als Kind in den sanguinischen Zaubertrank gefallen ist – die Proben haben eine energetische, freudig geladene Grundstimmung.

Die Suche nach der passenden Musik ist nicht so leicht, wie man zunächst denken würde, denn mit einem fröhlichen oder seichten Ton ist dieses Temperament nicht einzufangen. Es sollte eine Musik sein, die sich nicht in süßlicher Heiterkeit verliert und verselbstständigt, sondern sich immer wieder von Neuem an sich selbst anzündet, also die Fähigkeit verkörpert, am laufenden Band zu begeistern. Gefunden wurde ein Orchesterstück des zeitgenössischen Komponisten Jörg Widmann (*1973) mit dem Titel „con brio“, was so viel bedeutet wie lebhaft, mit Elan. Eine circa zwölfminütige Konzertouvertüre, die ziemlich on fire ist, sich ständig etwas Neues ausdenkt und vor Ideen und Impulsen nur so sprudelt. Widman komponierte diese 2008 für das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks als komplementäres Stück zu Beethovens Siebter und Achter Sinfonie. Und obwohl er Beethoven tatsächlich in keinem einzigen Takt direkt kopiert oder zitiert, klingt der heroische Gestus der Sinfonien, das dynamisch Dionysische immer wieder deutlich durch. Widmann wählte für „con brio“ exakt die Besetzung der Beethoven-Sinfonien und machte sich zur Aufgabe, damit einen, wie er es nennt, ähnlichen „Furor und rhythmisches Drängen“ zu erzeugen. Bestimmte musikalische Charakteristika oder Eigenheiten der Sinfonien Beethovens werden wie eine Art Teaser plötzlich und wie durch einen wilden Strudel an die Oberfläche gespült, um kurz darauf wieder in sich auflösenden, geräuschhaften Lauten zu versanden. Dieses „Ebbe und Flut Prinzip“ lässt uns also immer wieder für einen kurzen Moment die Befriedigung des Wiedererkennens erleben, dieses vage Gefühl, das irgendwie schon einmal gehört zu haben. Kein Wunder, dass „con brio“ so häufig aufgeführt wird – es erinnert an die so lieb gewonnene Musik vergangener Zeiten und markiert gleichzeitig ein neues musikalisches Zeitalter, das etwas mit dem Hier und Jetzt zu tun hat. Mit ihrem Titel hält die Komposition ihr Versprechen: sie ist leibhaft lebendig, erquicklich könnte man fast sagen, und obwohl sie sich ganz selbstironisch mit geräuschhaften Pizzicati und Klicklauten verabschiedet, endet sie doch mit der Idee von Pauken und Trompeten. Es überkommt einen das natürliche Bedürfnis zu applaudieren.

Demis Volpi hat dazu eine Choreographie für acht Tänzer*innen kreiert, die diesen Gestus sichtbar verkörpert. Der Einfallsreichtum der Musik spiegelt sich in den zahlreichen choreographischen Themen und immer wieder neu ansetzenden Ideen. Während das neu eingeführte choreographische Material solistisch oder in Form von kurzen Pas de deux-Sequenzen präsentiert wird, zündet sich die Gruppe an einzelnen Bewegungen an, lässt sich mitreißen, steigert sich hinein. So wird aus dem Flickenteppich, den die Musik vorgibt, die Suche nach einem verstrickten großen Ganzen.

Dabei gibt es ein Grundthema, das kontinuierlich auftaucht und unterschwellig den choreographischen Ton prägt, bevor es sich zum Ende hin ins Extrem steigert. Es handelt sich um die sogenannte Fünfte Position, wie das akademische Ballett sie lehrt: Beide Füße sind voreinander überkreuzt und nach außen hin ausgedreht, während beide Arme nach oben wandern und die Form eines Bogens annehmen, ohne dass die Hände sich berühren. Handflächen nach innen, Schultern runter, soweit zur Theorie. Der sanguinische Spaß liegt nun darin, das klassische Vokabular abzuwandeln, zu variieren und ein wenig damit zu spielen – ein Spiel, das zum Ende hin einen furiosen Höhepunkt erfährt. Der ersehnte Applaus, er kommt zunächst nicht vom Publikum, sondern von bestellten Claqueuren (freilich mit Augenzwinkern) aus dem Orchestergraben, denn ein weiteres Stück Musik schließt sich an: die berühmte „Clapping Music“. Der Amerikaner Steve Reich (1936), der zu den wichtigsten Musikerinnen der Minimal Music zählt, hat sie 1972 für zwei Paare klatschender Hände komponiert und damit einen Hit gelandet. Eine simple Idee, deren Umsetzung es jedoch in sich hat. Zwei Perkussionist*innen spielen jeweils ein Motiv aus 12 Achtelnoten. Während der erste Spieler über die Dauer des gesamten Stückes ebendieses Motiv klatscht, verschiebt sich das Motiv der zweiten Spielerin alle acht Takte um eine Achtelnote „nach rechts“ (siehe Seite 26). Es entsteht ein sich häufig verändernder, dicht rhythmisierter und belebter Klang, der sich für die letzten acht Takte in einem Unisono wiederfindet.

Volpi greift das Konzept der Verschiebung in seiner Choreographie auf und kreiert ein Motiv, das in einem genauestens entworfenen Muster durch die Gruppe wandert – eine dynamisch sinnliche Entsprechung sozusagen. Die erbauliche, beschwingte Qualität der Applausgeräusche spiegeln sich in den sich öffnenden, „extrovertierten“ Armpositionen, die auf die Fünfte Position verweisen und durch das hohe Tempo der Ausführung eine festlich frische Energie ausstrahlen. Es ist ein Stück geworden, das „ja“ sagt, sanguinic eben.

Dieser Text erschien im Programmheft vom Ballettabend Vier neue Temperamente anlässlich der Premiere des Werks beim Ballett am Rhein am 3. Juni 2022.