Surrogate Cities

By Julia Schinke

Sometimes it takes courage to break away from what is established. Sometimes classics need to be questioned anew; sometimes, when we go to the theater, we should be allowed to go off the rails. Art does not seek to be understood at a glance. Art seeks to move us, provoke us, unsettle us, spark discussion, and test boundaries.

With Surrogate Cities, Demis Volpi brings his final world premiere in his role as Ballet Director and Chief Choreographer of Ballett am Rhein to the Düsseldorf stage. It is a work that enters into dialogue with the music, then detaches itself from it and becomes something entirely of its own. As so often in Volpi’s creations, the modern human being as an individual stands at the center of the exploration. Yet whereas his narrative ballets such as Krabat or Giselle have a clearly defined central figure around whom the action unfolds, Surrogate Cities takes a new and unfamiliar path. Its individual dance elements often stand side by side without an obvious connection, reappear in unexpected places, and continue what was already emerging in works such as Non-Fiction Études, Ebony Concerto, or The thing with feathers: a delight in the theatrical, the absurd, and in the desire to make dance something to be experienced beyond the conventions of traditional storytelling. Three elements that run through Demis Volpi’s work to date reappear here, on both a small and a large scale: the dissolution of classical narrative structure through simultaneity, the rejection of fixed gender assignments, and the pushing of classical movement vocabulary to extremes.

Bodies tremble under the vibrations of an invisible double bass they appear to be playing. Arms stretch toward the sky in serpentine movements. A dancer wearing oversized sunglasses struts and winds her way around them. The expected interaction never takes place — the two scenes unfold in parallel. Irritation.

Two men in a pas de deux. They take each other by the hands, circle their arms around one another’s heads. One dancer lifts the other. Perfect balance. They free themselves from classical gender images and role assignments. Is it a fight or a love scene? That lies in the eye of the beholder. It disrupts familiar ways of seeing. At the same time, the pure magic of danced movement unfolds together with an extraordinary degree of intensity — something Volpi is fond of generating.

A woman floats in the air, carried by several men. One of them carries her extraordinarily long hair. Throughout the entire dance, they barely touch the floor. What in classical ballet was once the ideal — to appear to float through minimal contact with the ground, made possible by pointe shoes — is here pushed to the extreme.

The juxtaposition of three entirely different constellations — a large group, a pas de deux, and a female soloist with four men — clearly reveals how different the relationships being shown are, both between the dancers and in relation to the choreographic material itself. The kaleidoscopic quality of the choreography becomes even more apparent in the many solos. More than in any of his previous works, Demis Volpi entered into an intensive exchange with each individual dancer during the creative process, thereby giving broad space to the highly individual movement languages of the members of the company.

Demis Volpi’s works often shift between dance and theater, cinematic expression and musical poetry. In Surrogate Cities, he takes his exploration of the genre of dance even further: one dancer sweeps across the stage singing, jumping, twitching, and breathing loudly until reaching the point of exhaustion; another becomes an embodied disruptive force, uncanny, seductive, and frightening, repeatedly breaking through the urban bustle. The orchestra, too, becomes part of this visually powerful physicality, adding another color to the urban cosmos through its own distinct language of movement onstage.

The result is a series of images that stand in stark contrast to the unified aesthetic one might perhaps expect from a ballet evening. In the equal coexistence of the urban, they can become part of one world. The audience is given the opportunity to experience the diversity of dance within a single work. It is a creation that draws its strength from unpredictability and that does not reveal itself at a glance, with its manifold images and stories unfolding in parallel. In this sense, it is not only a reflection of the urban but also of the everyday. The coming and going of individual people, whose paths cross, seem to intersect, or simply run alongside one another, is as profound as it is banal, and thus opens up space for interpretation and discussion. And is that not exactly why we go to the theater?

This text appeared in the program booklet on the occasion of the premiere of the work by Ballett am Rhein on April 26, 2024.
The English version was translated for www.demisvolpi.com with the assistance of AI.

Von Julia Schinke

Manchmal braucht es den Mut, sich vom Etablierten zu lösen. Manchmal müssen Klassiker neu befragt werden, manchmal darf man aus der Kurve fliegen, wenn man ins Theater geht. Denn Kunst will nicht auf einen Blick verständlich sein. Kunst will bewegen, anecken, irritieren, Diskussionen auslösen und Grenzen ausloten.

Mit „Surrogate Cities“ bringt Demis Volpi seine letzte Uraufführung in seiner Funktion als Ballettdirektor und Chefchoreograph des Ballett am Rhein auf die Düsseldorfer Bühne. Ein Werk, das sich im Dialog mit der Musik von ihr löst und zu etwas ganz Eigenständigem wird. Dabei steht, wie so oft in Volpis Kreationen, der moderne Mensch als Individuum im Zentrum der Auseinandersetzung. Doch wo es in seinen Handlungsballetten wie „Krabat“ oder „Giselle“ eine klare zentrale Figur gibt, um die sich das Geschehen entspinnt, geht „Surrogate Cities“ einen neuen, ungewohnten Weg. Die einzelnen tänzerischen Elemente stehen oft unverbunden nebeneinander, tauchen an unerwarteter Stelle wieder auf und führen fort, was sich in Stücken wie „Non-Fiction Études“, „Ebony Concerto“ oder auch „The thing with feathers“ bereits andeutet: Die Lust am Theatralen, am Absurden, am Wunsch, Tanz erfahrbar zu machen, auch jenseits des klassischen Geschichtenerzählens. Drei Elemente, die sich durch das bisherige Schaffen von Demis Volpi ziehen, finden sich im Kleinen und im Großen in dieser Choreographie wieder: Das Auflösen der klassischen Erzählstruktur durch Parallelität, das Negieren von Geschlechterzuweisung und die Überführung des klassischen Schrittmaterials ins Extreme.

Leiber zittern unter der Vibration des unsichtbaren Kontrabasses, den sie spielen. Arme recken sich in schlängelnden Bewegungen gen Himmel. Eine Tänzerin mit übergroßer Sonnenbrille stolziert und windet sich um sie herum. Die erwartete Interaktion bleibt aus – beide Szenen laufen parallel zueinander. Irritation.

Zwei Männer im Pas de deux. Sie fassen sich bei den Händen, kreisen die Arme um den Kopf des anderen. Tänzer hebt Tänzer. Perfekte Balance. Sie lösen sich von klassischen Geschlechterbildern und Rollenzuweisungen, ist es ein Kampf oder eine Liebesszene? Das liegt im Auge der Zuschauer*innen. Das erzeugt eine Irritation der Sehgewohnheit. Gleichzeitig entfalten sich der pure Zauber der getanzten Bewegung und ein ungeheurer Grad an Intensität – wie Volpi sie gerne erzeugt.

Eine Frau schwebt in der Luft, getragen von mehreren Männern. Einer von ihnen trägt ihr überlanges Haar. Im gesamten Tanz berühren sie kaum den Boden. Was im klassischen Ballett das Ideal war – zu schweben durch den minimalen Bodenkontakt dank Spitzenschuh – wird hier bis zum Äußersten getrieben.

Die Nebeneinanderstellung dreier ganz unterschiedlicher Konstellationen – große Gruppe, Pas de deux und Solistin mit vier Männern – zeigt deutlich, wie unterschiedlich die gezeigten Beziehungen zwischen den Tanzenden aber auch zum choreographischen Material sind. Noch sichtbarer wird das Kaleidoskophafte der Choreographie in der Betrachtung der zahlreichen Soli. Mehr als in all seinen bisherigen Werken trat Demis Volpi im Laufe des Kreationsprozesses in den intensiven Austausch mit jedem einzelnen der Tänzerinnen und Tänzer und gibt dadurch den ganz individuellen tänzerischen Sprachen der Compagniemitglieder einen weiten Raum.

Demis Volpis Arbeiten changieren oft zwischen Tanz und Theater, filmischem Ausdruck und musikalischer Poesie. In „Surrogate Cities“ geht er in der Auslotung des Genres Tanz noch weiter, wenn eine*r der Tänzer singend über die Bühne fegt, springt, zuckt und laut atmend bis zur Erschöpfung tobt oder ein Anderer als körpergewordener Störfaktor unheimlich, betörend und beängstigend in einem immer wieder das städtische Treiben durchbricht. Teil dieser visuell starken Körperlichkeit wird auch das Orchester, welches auf der Bühne in seiner ganz eigenen Bewegungssprache zum Kosmos Stadt eine weitere Farbe beiträgt.

So ergeben sich Bilder, welche im starken Kontrast zu einer, in einem Ballettabend vielleicht erwarteten, einheitlichen Ästhetik stehen. Im gleichberechtigten Nebeneinander des Städtischen können sie Teil einer Welt werden. Dem Publikum eröffnet sich die Möglichkeit, Tanz in seiner Vielfältigkeit innerhalb eines einzigen Stückes zu erleben. Es ist eine Kreation, die ihre Kraft aus dem Unberechenbaren schöpft, und die sich in ihren mannigfaltigen Bildern und parallel stattfindenden Geschichten nicht auf einen Blick erschließt. Damit ist sie nicht nur ein Abbild des Urbanen, sondern auch des Alltäglichen. Das Kommen und Gehen der einzelnen Personen, deren Wege sich kreuzen, scheinbar überschneiden oder nebeneinander herlaufen, ist ebenso tiefgründig wie banal und eröffnet somit Raum für Interpretation und Diskussion. Und ist es nicht genau das, wofür wir ins Theater gehen?

Dieser Text erschien im Programmheft anlässlich der Premiere des Werks beim Ballett am Rhein am 26. April 2024.